Liam Gallagher, Dua Lipa et Sir Paul McCartney font partie des 1 500 artistes qui ont signé une lettre ouverte appelant au soutien de la scène musicale britannique.
Ed Sheeran, les Rolling Stones et Coldplay ont également signé la lettre adressée au ministre de la culture pour l’avertir de l’impact de Covid-19 sur les salles et les musiciens.
Selon cette lettre, l’industrie musicale est confrontée à des “faillites massives”, les concerts et les festivals ne reprendront probablement pas avant 2021.
Les organisateurs ont déclaré qu’il y avait déjà eu “des centaines de licenciements”.
Des pertes d’emplois, dans toute une série de professions connexes, ont été signalées par les salles de concert, les agences et les promoteurs, ont-ils déclaré.
L’avenir s’annonce sombre
La lettre à Oliver Dowden se lit comme suit “Sans que la fin de la distanciation sociale soit en vue ou que le soutien financier du gouvernement soit encore accepté, l’avenir des concerts et des festivals et des centaines de milliers de personnes qui y travaillent semble bien sombre”.
Elle demande un “calendrier clair et conditionnel” pour la réouverture des salles sans distanciation sociale, ainsi qu’un soutien financier et une exonération de la TVA sur les ventes de billets.
Eric Clapton, Beverley Knight, Little Mix et Skepta sont parmi les autres stars à avoir ajouté leur nom à la campagne, intitulée “Let the Music Play”.
Dans une déclaration jointe, Dua Lipa a déclaré qu’elle était “fière” d’avoir fait son chemin dans les petits clubs, les théâtres, les arènes et les festivals.
Les grands défis
En réponse, une porte-parole du ministère du numérique, de la culture, des médias et des sports a déclaré que le gouvernement “fournit déjà une aide financière sans précédent dont de nombreuses organisations musicales et de nombreux artistes ont profité”, en soulignant les prêts et le programme de maintien de l’emploi.
“Nous reconnaissons que cette pandémie a créé des défis majeurs pour le secteur et nous travaillons en étroite collaboration avec eux pour développer des directives complètes pour que les spectacles et les événements reviennent dès que possible”, a-t-elle déclaré.
Les salles de concert sont fermées depuis la mi-mars, et le gouvernement n’a pas donné de date pour le retour des spectacles.
En écrivant sur Twitter, le ministre de la culture a déclaré qu’il cherchait à fournir à l’industrie musicale une “feuille de route claire pour le retour” et des dates fixes pour la réouverture des salles.
M. Dowden a ajouté : “Il s’agit de décisions difficiles concernant l’avenir de la distanciation sociale, dont nous savons qu’elle a sauvé des vies”.
Une étude menée par Media Insight Consulting et publiée en même temps que la lettre ouverte suggère que l’industrie musicale britannique a contribué à l’économie du pays à hauteur de 4,5 milliards de livres sterling en 2019 et a soutenu 210 000 emplois.
Ben Lovett de Mumford & Sons, qui dirige également les salles Omeara et Lafayette à Londres, a déclaré à BBC News que la musique “définit notre culture”.
Le multi-instrumentiste a déclaré : “Quand les gens pensent à la Grande-Bretagne, j’espère qu’ils parlent de Stormzy jusqu’aux Beatles.
“Les gens pensent que c’est juste une industrie qui se satisfait d’elle-même et qui n’a pas vraiment besoin d’aide – le rock, la crasse et la pop – mais en fait, elle a besoin d’aide parfois et en ce moment, elle en a vraiment besoin”.
En plus d’être membre du groupe primé Brit Award-winning, Lovett est le directeur général du Venue Group, qui emploie 210 personnes.
Triste et choqué
Il s’est dit “triste” et “choqué” d’avoir déjà eu des conversations avec des gens qui ont maintenant décidé “qu’ils ne seront plus musiciens”.
Les jeunes artistes britanniques auront moins de chance de forger leur carrière, en tant que futures têtes d’affiche potentielles de Glastonbury, s’ils ne peuvent pas acquérir de l’expérience et gagner de l’argent en jouant dans de petites salles, a-t-il averti. Comme l’ont fait Stormzy, Sheeran, Florence + the Machine et son propre groupe.
Il a déclaré “Perdre 2020, ne pas les soutenir et ne pas trouver le moyen de protéger l’industrie signifie que vous avancez rapidement jusqu’en 2023, et je pense vraiment que nous allons nous gratter la tête en nous disant : “Oh, n’est-ce pas la même chose que l’année dernière ?
“Il n’y aura personne qui passera. Il n’y aura pas de nouveaux talents.”
Ce n’est pas seulement parce que cette année est le 250e anniversaire de sa naissance que Ludwig van Beethoven (1770-1827) est le compositeur évident avec lequel commencer une série comme celle-ci, tout comme ce n’est pas un hasard de l’histoire si, près de deux siècles après sa mort, Beethoven est toujours considéré comme l’archétype du grand compositeur – le génie bourru et intransigeant de plus en plus coupé du monde par la surdité, qui a forgé sa propre voie artistique, de plus en plus indépendamment de ce que les autres pensaient de lui et de son œuvre.
La musique que vous pourriez reconnaître
La musique par laquelle il est connu dans le monde entier – qu’il s’agisse de sa Cinquième Symphonie, avec sa devise V pour Victoire qui est devenue un tel symbole d’espoir pour les alliés pendant la seconde guerre mondiale, de la mise en scène de l’Hymne à la joie de Schiller qui termine sa Neuvième, ou d’œuvres pour piano telles que la Sonate au clair de lune et la bagatelle Für Elise, connues de générations de pianistes en herbe – ne raconte qu’une petite partie de l’histoire de Beethoven. Ces œuvres familières ne laissent guère entrevoir sa signification, ni l’ampleur et l’étendue de son œuvre, et encore moins expliquer pourquoi il est une figure centrale dans l’histoire de ce que nous considérons généralement comme la musique “classique”, et comment elle a évolué du baroque du 17e siècle au modernisme du 20e.
Sa vie
Avant Beethoven, les compositeurs écrivaient surtout de la musique sur commande, que ce soit pour l’église ou de riches mécènes (comme JS Bach) ou en tant qu’employés des cours nobles européennes (comme Haydn et Mozart l’ont été pendant une grande partie de leur vie créative). Si les grands compositeurs de ces époques ont souvent été capables de transcender ces contraintes pour créer une musique élégante et profondément personnelle, Beethoven était déterminé à pousser cette idée d’indépendance créative beaucoup plus loin.
Il est né à Bonn, où son père (un ténor au service de l’archevêque-électeur de Cologne) a donné à Ludwig ses premières leçons de musique. Il a commencé à prendre des leçons de composition et de piano à l’âge de 10 ans et a même publié quelques pièces au début de son adolescence, mais peu de ce qu’il a écrit entre 1785 et son déménagement à Vienne en 1792 a été entendu de son vivant. Et, alors que l’alcoolisme de son père ne cesse de s’aggraver, le jeune Ludwig assume de plus en plus la responsabilité de subvenir aux besoins de sa famille en enseignant et en jouant de l’alto (tout en apprenant à connaître le répertoire de l’opéra). À Vienne, il étudie brièvement avec Haydn, mais commence vraiment à s’établir comme pianiste plutôt que comme compositeur, bien qu’il attire déjà un certain nombre de riches mécènes, comme il a pu le faire pendant une grande partie de sa vie. Lorsqu’il fit ses débuts publics en tant que pianiste, en 1795, il jouait ce que l’on appelle aujourd’hui son deuxième concerto pour piano (en fait, il a été écrit avant le premier).
Son époque
C’était une époque de bouleversements dans le monde entier – les États-Unis n’avaient qu’un peu plus de dix ans, tandis que les réverbérations de la Révolution française de 1789 et l’arrivée au pouvoir de Napoléon dans son sillage se faisaient sentir dans toute l’Europe, et que les débuts de la révolution industrielle créaient eux-mêmes des changements sociaux massifs. La révolution a également eu lieu dans le domaine des arts, le romantisme étant déjà bien établi dans la littérature, sous l’impulsion de Goethe en Allemagne (que Beethoven admirait énormément mais qu’il n’a rencontré qu’en 1812) et de Wordsworth et des poètes de la région des lacs en Grande-Bretagne. Il est dangereux de chercher des parallèles entre les grands artistes dans différentes formes d’art, mais s’il existe un équivalent contemporain de Beethoven dans un autre médium, ce serait Goya, un artiste à cheval sur deux époques stylistiques, dont le propre parcours, du peintre de cour à l’iconoclasme, et son isolement social par sa surdité croissante, reflète celui du compositeur.
Pourquoi Beethoven a-t-il encore de l’importance ?
Le parcours musical de Beethoven est traditionnellement divisé en trois périodes – début, milieu et fin – mais à partir du début des années 1800, la musique qu’il a composée a constamment évolué, suivant toujours son propre cheminement créatif révolutionnaire.
La musique qu’il a écrite dans la vingtaine à la fin du XVIIIe siècle, comme ses deux premiers concertos pour piano et le premier ensemble de quatuors à cordes (les six œuvres de l’opus 18), peut sembler appartenir au même monde musical que Haydn et Mozart, mais elle contenait des signes indiquant que Beethoven s’inquiétait déjà des limites du style classique dont il avait hérité. Même ses premières sonates pour piano sont conçues à une échelle bien plus grande que tout ce que ses prédécesseurs avaient écrit, et l’énergie qui les anime semble souvent signaler son impatience face aux contraintes de la forme sonate classique. En effet, de même que sa vie a été à cheval sur les dernières décennies d’un siècle et les premières d’un autre, sa musique a marqué la division entre deux grandes époques, la classique et la romantique, et a accéléré la transition de l’une à l’autre.
Presque tous les genres musicaux que Beethoven a explorés n’ont plus jamais été les mêmes après qu’il les ait réinventés. Ses deux premières symphonies suivent plus ou moins la ligne classique, mais la troisième, l’Héroïque, jouée pour la première fois en 1805, est d’une tout autre envergure. Par une déclaration d’intention sans ambiguïté – sur le plan harmonique, formel et expressif – Beethoven était déterminé à faire entrer cette symphonie dans des domaines que ses prédécesseurs n’avaient jamais imaginés. Comme pour souligner ses ambitions révolutionnaires, il a dédié la partition à Napoléon, qu’il considérait comme l’incarnation des idéaux démocratiques et républicains de la révolution française. Mais lorsque, en 1804, le Français se déclare empereur, le compositeur raye furieusement son nom de la page de titre.
À cette époque, les premiers signes de la surdité de Beethoven sont apparus. Dans une lettre extraordinaire, le “Testament de Heiligenstadt”, qu’il a écrite mais qu’il n’a pas envoyée à ses deux frères en 1802, il avait déjà fait part de sa détermination à “saisir le destin à la gorge” et à suivre sa propre voie artistique, quoi qu’il arrive.
Il a fait ce qu’il a promis. Chacune des symphonies qui ont suivi l’Héroïque a également innové. Le drame brutal et convaincant de la Cinquième a été suivi par la musique descriptive de la Sixième, la Pastorale, qui, à sa manière plus calme, était tout aussi révolutionnaire – personne n’avait encore conçu une œuvre instrumentale de grande envergure qui évoquait aussi explicitement des scènes picturales (d’où l’idée de musique à programme, reprise avec tant d’ardeur plus tard au XIXe siècle). L’énergie irrépressible de la Septième, que Richard Wagner qualifie d'”apothéose de la danse”, est elle aussi sans précédent, tandis que la monumentalité de la Neuvième, avec sa célébration finale de la fraternité universelle, prend forme encore plus loin dans un territoire nouveau. Après Beethoven, aucun compositeur ne pouvait envisager de concevoir une symphonie autrement que comme une déclaration musicale profondément personnelle.
Son approche des concertos, des sonates, des trios avec piano et des quatuors à cordes est tout aussi révolutionnaire : sous toutes ces formes, sa musique va là où personne n’est allé auparavant. Avant Beethoven, aucun concerto pour piano n’avait commencé avec un piano solo non accompagné comme le fait son quatrième concerto, tout comme aucun n’avait atteint l’ampleur et la grandeur déchaînées du cinquième, le soi-disant concerto de l’Empereur. Son seul concerto pour violon est d’une ampleur exceptionnelle, tandis que l’ampleur et la puissance rhétorique des sonates pour piano telles que la Waldstein, op. 53 et la torrentielle Appassionata, op. 57, étaient incontestablement des déclarations publiques sous une forme musicale que le siècle précédent avait jugée plus adaptée au salon.
Toutes ces œuvres, ainsi que la sonate pour violon connue sous le nom de Kreutzer Op 47, le cycle de chansons An die Ferne Geliebte (premier exemple de la forme de cycle de chansons) et les trois quatuors à cordes “Rasumovsky” Op 59 (du nom de l’ambassadeur russe à Vienne qui les a commandés), comptent parmi les plus grands produits de ce qui est considéré comme le milieu de la période de Beethoven. Son seul opéra, Fidelio, date également de ces années-là. Conçu comme un Singspiel, dans lequel le dialogue parlé alterne avec des numéros musicaux, Fidelio a mis huit ans à atteindre la forme dans laquelle on l’entend habituellement aujourd’hui. L’opéra est peut-être le seul grand genre musical dont l’évolution n’a guère été affectée par le génie de Beethoven, même si le sujet de Fidelio, en particulier le paean à la liberté avec lequel il se termine, embrassait des thèmes qui lui tenaient toujours à cœur.
Tout au long de cette période, sa surdité ne cesse de s’aggraver. Il fait sa dernière apparition publique en tant que pianiste en 1814 et, pendant la dernière décennie de sa vie, il est obligé d’utiliser des carnets de notes pour converser avec ses amis. Bien qu’il soit salué comme le principal compositeur de son temps, il devient de plus en plus isolé et irascible, et écrit relativement peu pendant ces années, au cours desquelles il est mêlé à une longue dispute concernant la tutelle légale de son neveu.
La musique qu’il composait se souciait de moins en moins de savoir si elle serait ou non comprise par son public ou ses pairs. Si les deux grandes œuvres chorales, la Missa Solemnis et la Neuvième Symphonie, toutes deux créées en 1824, furent ses dernières grandes déclarations publiques, les dernières sonates pour piano – le Hammerklavier, op. 106, et la trilogie finale des op. 109-111, ainsi que les cinq derniers quatuors à cordes, écrits dans les deux années précédant sa mort, firent entrer sa musique dans une sphère d’harmonie et de complexité thématique et formelle totalement différente et raréfiée qui déconcerta souvent même ses amis et admirateurs les plus proches.
Ainsi, si Beethoven a introduit le romantisme du XIXe siècle dans ses œuvres du milieu de la période, il a regardé encore plus loin dans l’avenir dans ses œuvres finales, en particulier les derniers quatuors à cordes. Même pour les oreilles modernes, la Grosse Fuge, férocement intransigeante, conçue comme un final monumental du Quatuor en si bémol, op. 130, reste une expérience difficile, presque épuisante. Igor Stravinski l’a décrite comme “une pièce de musique absolument contemporaine qui le restera à jamais”, ce qui en dit long sur le caractère unique de Beethoven, sa réussite étonnamment tournée vers l’avenir et sa pertinence constante.
Grands interprètes
La quasi-totalité de l’importante production de Beethoven a été explorée en profondeur à travers les enregistrements, et il existe maintenant de multiples versions de ses plus grandes œuvres couvrant près d’un siècle, toutes facilement accessibles et souvent dans des styles d’interprétation très contrastés. Parmi les plus beaux témoignages récents des neuf symphonies jouées sur des instruments modernes figurent celles de Claudio Abbado (Deutsche Grammophon) et de Riccardo Chailly (Decca), tandis que parmi les cycles historiquement informés, utilisant des techniques d’exécution sur des instruments aussi proches que possible de ceux de l’époque de Beethoven, figurent celles de John Eliot Gardiner (Archiv) et de Frans Brüggen (Glossa).
Pour les concertos pour piano, il y a le cycle de Maurizio Pollini avec Abbado à la tête de l’Orchestre philharmonique de Berlin (Deutsche Grammophon), et celui de Stephen Kovacevich avec Colin Davis et l’Orchestre symphonique de la BBC (Philips). Parmi les versions modernes des quatuors à cordes, le Quatuor Takács reste dans une classe à part, tandis que l’intégrale des sonates pour piano offre une multitude de possibilités. Claudio Arrau (Philips) et Daniel Barenboim (Warner Classics), tous deux des années 1960, et Annie Fischer (Hungaroton) des années 1970 sont encore difficiles à battre.
La musique fait taper des pieds et faire battre les cœurs. Elle permet également de faire tourner les rouleaux de ces machines à sous dans votre casino en ligne préféré. Si vous aimez vous détendre à la radio, jouer de l’air guitar ou chanter votre chanson préférée, ces machines à sous de casino en ligne sont faites pour vous.
5. DJ Wild
ELK Studios a créé un créneau lumineux pour les amateurs de musique de danse et les ravers nocturnes. La musique de danse électro fait pomper le sang en choisissant l’une des quatre stratégies de pari à suivre que les développeurs ont préprogrammées : Jumper, Optimiser, Niveleur et Booster. Ils prennent tous une action différente en fonction du résultat du tour précédent. Les symboles sont un mélange d’outils de DJ tels que des tables de mixage, des écouteurs, des pianos électriques et une table de mixage sonore.
4. Megadeth
Leander Games est à l’origine de l’association du célèbre groupe de thrash metal avec cette machine à sous à 5 rouleaux et 40 lignes de paiement. Seuls les hardcoreurs doivent s’inscrire pour jouer avec le fondateur du groupe, Dave Mustaine, qui apparaît comme un symbole de Sticky Wild au milieu de ses camarades de groupe David Ellefson, Shawn Drover et Chris Broderick, ainsi qu’avec une série d’instruments et de plectres signés. Si vous atteignez le round bonus de Headcrusher, vous devez choisir des prisonniers. Les femmes décerneront le prix, tandis que les hommes le diminueront.
3. Motorhead
Il y a quelques années seulement, Lemmy Kilmister est malheureusement décédé, mais son héritage en tant que leader du groupe de rock Motorhead et figure de proue du mouvement heavy metal perdure. Le créneau de NetEnt célèbre son passage au sein du groupe en permettant aux joueurs de jouer leurs chansons préférées de Motorhead, y compris leur plus grand succès : The Ace of Spades. Le titre se marie bien avec une machine à sous de casino pleine d’action qui présente un nombre inhabituel de 76 lignes de paiement sur 5 rouleaux. Retrouvez une légende du métal à X Factor Games.
2. Jimi Hendrix
Ce jeu perpétue l’héritage des machines à sous de NetEnt sur le thème de la musique avec un style artistique funky qui correspond à l’époque des années 60 où Hendrix faisait sa meilleure musique. Les joueurs peuvent écouter certains de ses titres les plus populaires, dont Foxy Lady et Purple Haze, tout en faisant tourner la bobine dessinée à la main. Hendrix lui-même est l’un des symboles d’un jeu plein de surprises et de fonctions de rotation libre.
1. Guns N’ Roses
La machine à sous en ligne de NetEnt vous emmène en tournée avec l’un des plus grands groupes de rock. Voyagez à travers le monde avec Slash et Axl Rose dans ce jeu à 5 rouleaux et 20 lignes de paiement qui est sorti pour célébrer le 30e anniversaire du groupe. L’une des caractéristiques uniques du jeu est que vous pouvez sélectionner la liste des chansons que vous voulez jouer avec pour toile de fond la scène du concert. En plus de la bande-son exceptionnelle, le jeu offre une foule de caractéristiques spéciales, dont Expanding Wilds, Appetite for Destruction Wild, Legend Spins et le multiplicateur Guitar Solo.
L’un des patrons des compilations Now That’s What I Call Music ! a dit que leur popularité durable est due à leur “combinaison unique de monnaie et de nostalgie”.
Peter Duckworth, codirecteur musical de Now, a commencé à travailler avec la marque en 1991 et compile les doubles albums depuis 2012.
La 100e édition est sortie le 20 juillet et comprend des titres d’artistes plus récents comme Years & Years et Ariana Grande, ainsi que des groupes plus établis comme UB40, qui figurait sur la toute première sortie de Now en 1983.
Duckworth l’a dit à l’Association de la presse : “Le concept original, qui était cette idée de grande valeur – pour le prix de cinq ou six singles vous pourriez avoir 30 singles sur un double vinyle ou une double cassette – c’était une formule si réussie.
“Bien qu’il n’était pas nouveau à l’époque dans le sens où d’autres personnes l’avaient fait, d’autres ne l’avaient fait avec aucun degré de qualité.
“Il y avait ces labels plutôt louches, faute d’un meilleur mot, qui feraient ces compilations, mais ils seraient soit des reprises, soit les titres seraient édités, il y aurait des compromis en cours de route.
“C’était la première fois qu’il s’agissait d’une qualité complète et d’une grande valeur.”
HAPPY NOW 100 DAY! ?
Thank you to everyone who has supported us over the last 35 years, without you we wouldn’t exist ?
— NOW That’s What I Call Music (@NOWMusic) July 20, 2018
Il a continué : “Personne ne pensait que ce serait une série à long terme à l’époque. Je pense qu’ils n’auraient même pas pensé à passer à 10 volumes et encore moins à 100.
“Les gens avaient de l’affection pour leur premier Now et ils sont devenus presque cette marque qui est devenue synonyme de succès et de nostalgie, tout en étant à la fois actuelle.
La ” partageabilité ” des compilations d’une génération à l’autre est comparable à quelque chose comme Star Wars, a-t-il dit.
“En fin de compte, les parents qui l’avaient reçu quand ils étaient enfants avaient leurs propres enfants, alors ils ont commencé à le donner à leurs enfants, ce qui a permis de franchir le fossé générationnel.
“C’est devenu un truc de famille et c’est devenu une sorte d’auto-réalisation, vraiment.
“Un peu comme Star Wars, qui, lorsqu’il est sorti avec la trilogie prequel à la fin des années 90, il faisait appel à toutes les mamans et papas qui avaient vu la trilogie originale à la fin des années 70, donc c’est ce truc intergénérationnel, alors c’est presque soutenu lui-même en étant populaire pour tous les groupes d’âge”.
Les albums sont compilés à partir de données provenant de diverses sources.
explique Duckworth : “Dans le passé, c’était assez simple parce qu’il y avait un tableau des célibataires et il y avait des données sur les ventes et c’était les deux choses que l’on pouvait vraiment regarder.
“Ces jours-ci, il y a tellement de sources de données – flux, vues YouTube, Shazam, données de diffusion des stations de radio, ce qui est une masse de statistiques, alors nous essayons de mettre tout cela dans un pot et de trouver ce qui est vraiment la chanson la plus populaire à ce moment-là et de choisir la plus populaire.
“Nous laissons nos goûts à la porte, nous ne pouvons pas y introduire nos propres goûts musicaux, il suffit d’aller sur ce que les données vous disent est le plus populaire, ou ce qui est dans l’air du temps de la musique à ce moment-là.
“Parfois nous devons essayer de prévoir ce qui s’en vient, parce que nous devons faire l’album trois semaines avant sa sortie, alors parfois nous essayons de prédire ce qui pourrait être un succès dans trois semaines.
Le single à succès de Britney Spears, Baby One More Time, a été nommé la meilleure chanson des 35 dernières années après avoir remporté le vote pour cette catégorie sur les albums Now dans les Now Awards.
Le nouveau juge de X Factor, Robbie Williams, figure sur le 100e album et a été nommé la plus grande star de tous les temps.
Lorsqu’on lui a demandé comment Now a prospéré dans une industrie de la musique en évolution rapide, M. Duckworth a répondu : “Dans une certaine mesure, on peut presque dire que Now était le conservateur de la playlist originale parce que, dans les jours précédant les playlists, Now choisissait les meilleurs morceaux.
“A l’époque, il y avait des albums d’artistes qui pouvaient avoir un, deux ou trois tubes et le reste, c’était des choses que les gens ne connaissaient pas forcément.
“Maintenant, nous étions assis là en tant que playlist de tubes et 35 ans plus tard, nous avons Spotify et Apple Music et c’est tout sur les playlists. C’est presque venu à ce que tout soit comme Maintenant, plutôt que d’être différent de tout”.